1

1

lunes, 14 de abril de 2014

Tres grandes del Preclasicismo musical: CPE Bach, JC Bach y Telemann


Carl Philipp Emanuel Bach. Creador del estilo sensitivo (empfindsamer Stil)
Johann Christian Bach
Georg Philipp Telemann

 
Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788)

 
C.P.E Bach, el personaje más interesante de la transición entre el barroco y el clasicismo desarrolló una carrera como intérprete y tratadista de extraordinaria repercusión, con su "Ensayo sobre la verdadera manera de tocar el teclado"(1753-1762).
En él se refiere ya más explícitamente a las cualidades del fortepiano, como un instrumento de teclado de cualidades concretas, equiparables a las del clave o el órgano. Y estudia algunas cuestiones de la técnica de la ejecución, diferentes maneras de ornamentar e interpretar. Este tratado tuvo una gran importancia en el periodo posterior, si tenemos en cuenta que tanto Haydn y Mozart como Beethoven recomendaban su estudio.
En relación con el problema de la ornamentación, CPE Bach tomó partido ante la necesidad, cada vez más manifestada por los compositores de la segunda mitad del XVIII, de regular la ornamentación, evitando que el libre albedrío del intérprete modificase demasiado el texto: escribir la ornamentación parecía la manera idónea de conseguir que el intérprete pudiese lucir sus habilidades y a la vez, no alterase el texto original. Para CPE esto era de una importancia básica, pues consideraba el adorno como una parte integrante y esencial de la composición "que debe ser especificada de modo inequívoco, en vez de dejar la elección al capricho del ejecutante carente de gusto". El ornamento se constituye así en una parte esencial de la expresión.


Existen dos razones para adecuar el adorno a la expresión:

Primero, por el ideal de la naturalidad: todo intérprete que desee acceder a la música deberá hacerlo en nombre del buen gusto, y ello implica naturalidad, sencillez, que todo sea orgánico, también la ornamentación.

Segundo, porque contribuye a realzar los momentos expresivos de las obras del periodo: si en el momento precedente, la teoría de los afectos permitía crear arias de bravura, de lirismo etc., en este momento, lo que se busca es crear obras con estados de ánimo contrastantes, dentro de la misma pieza.

A él se debe, como vimos anteriormente, la creación del denominado  empfindsamer Stil (estilo sensitivo) movimiento compositivo que giraba en torno a la corte de Federico el Grande y que evoluciona del estilo puramente galante.

 
Componer en escritura sencilla, melodía más acompañamiento, en vez de contrapuntos: a esto se llamó estilo galante. Ambas cualidades no siempre iban juntas, a veces se llegaron a componer obras galantes que no eran sentimentales.

 
Pues como bien ponía de relieve Burney, mientras Federico II y los músicos más queridos de su corte (Graun y Quantz entre otros) se estancan, componiendo obras en el más puro estilo galante, que no dicen nada y que se limitan a agradar el oído, Emanuel evoluciona desde el estilo galante al empfindsamer Stil, esa nueva corriente plena de pathos y tensión que provoca los alientos románticos del clasicismo vienés y su natural derivación al romanticismo del siglo siguiente.

 
En la misma línea se manifestaba Emanuel cuando escribía en su tratado: "Un músico conmueve a los demás solamente si él mismo está conmovido; es indispensable que ejercite todos los estados de ánimo que quiere suscitar en sus oyentes, ya que así les hará entender sus sentimientos y participar de sus emociones." Frente a la grácil y elegante, pero fría objetividad galante, se proclama la primacía de la subjetividad del artista con todo el fuego de sus pasiones como fin expresivo de su música..

 
Maneja con originalidad y fácil técnica la forma sonata. En ella se ven ya indicios de lo que será más tarde  el juego bitematico de la sonata clásica. Es una época en que comenzaba a desarrollarse el estilo de la sonata, de quien es también uno de sus máximos precursores.

 
De hecho, Joseph Haydn, un gran estudioso de su música, logró evolucionar el género musical gracias precisamente al análisis pormenorizado que realizó de las sonatas de C.P.E. Bach.

Mozart, posteriormente, incorporó a su música instrumental, numerosos elementos del lenguaje musical del compositor de Weimar. Wolfgang Amadeus Mozart, que tuvo una estrecha relación con su joven medio hermano paterno, Johann Christian Bach, dijo de Carl Philipp: "Él es padre, nosotros somos los niños." Beethoven ensalzó la grandeza de sus composiciones.


 

Su escritura no es complicada ni derivada del estilo paterno. El italianismo se manifiesta en su melodía bien desenvuelta, clara y sencilla: una melodía que se emancipa hasta cierto punto de la influencia operística para encontrar un tono y timbre singular.

Sus conciertos, sin desgajarse del patrón italiano, apuntan a un estilo más enraizado con las esencias alemanas. Su estilo indica ya claramente el tránsito de la sonata de clavecín a la sonata a la de piano forte. La crítica moderna, después de un estudio profundo de su obra, ha rebajado mucho los méritos que como precursor le atribuyo la musicología romántica.

 
Su obra: sintetico y buen estudio
Fuente http://www.raulmir.com/sinfonia-de-sonidos/el-precursor-del-clasicismo/

 
Es una obra extensa incluye 210 piezas para clave, 52 conciertos, Sinfonías, varios oratorios, pasiones y cantatas religiosas.

El compositor alemán escribió dos series de seis sonatas conocidas como las Sonatas prusianas que datan de 1742, abarcan los números 1 a 6, y están dedicadas a Federico el Grande

 
La segunda serie, compuesta en 1744, es la denominada Sonatas de Wurtemberg, dedicadas al duque de este territorio alemán, a quien había impartido lecciones de clavecín en Berlín. Estas sonatas se caracterizan por su compleja técnica, su melodiosidad y su precisión armónica. En ellas Bach asienta lo que serán algunos de los principios distintivos de las sonatas que se compondrán posteriormente. En la primera de la sonatas de esta serie el compositor propone dos materiales contrastantes que a medida que avanza la música se unen en una sóla idea, concepto que tan bien asimilaría Beethoven décadas más tarde.
 
Oimos algunas de sus sonatas:
 
 
El Concierto para flauta en re menor (Wq. 22) forma parte del repertorio habitual de los flautistas de todo el mundo, sobre todo debido a su incomparable movimiento inicial.
 otra versión del concierto para flauta


 
Igualmente se interpreta el Cuarteto en la menor para flauta, viola, chelo y orquesta, n.º 1, H. 537 (Wq. 93) y el hermoso concierto para violonchelo en la mayor Wq 172.


Andantino from Quartet for Keyboard, Flute, & Viola in A minor, Wq. 93 by Carl Philipp Emanuel Bach


Cello Concerto in A, Wq. 172 - 1. Allegro di molto
Cello Concerto in A major, Wq.172 (2 largo con sordina & 3 Allegro assai) by Alison McGillivary

 

Su música orquestal (a pesar del tratamiento de la forma sonata) y su conservadora música de cámara no están a la altura de su música para teclado.

Oímos algunas de sus sinfonías .

Symphony in E minor, Wq. 178 (H. 653)
Symphony No.3 in C major Wq.182 H659
Symphony No.3 in F major, H.665 Wq.183

 

Johann Christian Bach (1735-1782)

 
Vida y opera

Después de haber iniciado una sólida formación musical con su padre,  a la muerte de éste, con su hermano Carl Philipp Emanuel en Berlín, JC Bach se trasladó a Italia donde se formó plenamente y en 1754 se convirtió en discípulo del renombrado músico y teórico padre Martini y más tarde obtuvo el puesto de organista de la catedral de Milán.

Luego se apartó de las tradiciones familiares de los Bach, introduciéndose en el mundo de la ópera. De Londres recibió la invitación de hacerse cargo de las representaciones operísticas y aceptó. Trasladó su residencia a Londres 1764, donde aparte de viajar a Paris y Mannheim para representar operas nuevas, fue maestro de la Reina Carlota y profesor conocido. Fue tempranamente ejecutante al recién aparecido piano-forte; y junto a otro alemán (C.F. Abel) dirigió una importante serie de conciertos. Durante veinte años fue el compositor más popular de Inglaterra: Los conciertos de Johann Christian acontecieron bien pronto uno de los entretenimientos de moda predilectas de los londinenses.

 
El acusado italianismo de sus óperas se ve también en su obra instrumental, concebida al amparo de una fácil inspiración, que se mueve cómodamente entre los formas al uso.

En las cartas de Mozart muy joven se nota un gran interés por las óperas de J.C Bach. Interesaba sobre todo la dignidad musical de sus óperas, que, italianas en el fondo y en la forma, mostraban sin embargo una técnica vocal y orquestal meditada e influida por Haendel.

 
Johann Christian Bach unirá la mejor tradición musical alemana e italiana. Del modelo italiano tomó influjo para sus once óperas, es el primer Bach que compone para el escenario, en las que huye de todo dramatismo para imponer un estilo galante de bellas melodías muy del gusto de la época.

Combinó una sólida técnica alemana con dominio del elegante estilo melódico y la claridad formal de la música italiana. Sus óperas siguen las viejas tradiciones italianas con arias floridas y melodiosas, a menudo ricamente contrastadas por la orquesta, pero poco dramáticas en el sentido Gluckiano; de hecho participó en la representación de Orfeo en Londres y neutralizó la cualidad reformista de esta ópera añadiendo números suyos de corte tradicional, como requería el gusto Londinense.

 
Obra para teclado.

 
Su música para teclado es menos aventurada que la de su hermano Carl Philipp, pero está compuesta con más cuidado y mejor adaptada a los interpretes aficionados a quienes estaba principalmente destinada. Allí donde Carl Philipp es apasionado, Johann Christian es refinado y cortés, con melodías claras y cantábiles, con hábiles acompañamientos y formas musicales bien proporcionadas.

 
La música de Johann Christian se adentra en un terreno más cercano al clasicismo, se despoja del bajo Alberti que era un elemento muy recurrente de la época. De este modo, utiliza el fortepiano como un instrumento muy concertante, que es lo interesante de todo esto, ya que en las capillas musicales de la época apenas querían ni verlo.

 
El bajo Alberti es un tipo de acompañamiento con un acorde quebrado o arpegiado, donde las notas del acorde se suceden en el orden grave-agudo-medio-agudo; luego se repite el mismo patrón. El bajo Alberti se encuentra con frecuencia en las partes para la mano izquierda en la música para instrumentos de teclado, en especial en las obras pianísticas de Mozart.

 
Ejemplo del empleo del bajo Alberti 


 
No es de extrañar que la música de J.C Bach resultara especialmente atractiva a Mozart.

 
En la música de cámara el oyente puede encontrar un manantial de elegancia formal y proporción estilística.

Verdaderamente excepcional es una serie suya de seis quintetos para flauta, oboe, violín, viola  y continuo donde las melodías están ingeniosamente concebidas como un dialogo entre grupos instrumentales; este tipo de conversación civilizada de instrumentos es característica de la mejor música galante.

 
J.C.Bach - Quintet No.6 in D major, Op.11

 
Música sinfónica.

 
En la música orquestal destaca su sentido de las combinaciones instrumentales: estamos en presencia del máximo representante del estilo galante, con la seriedad formal de toda la familia Bach. Pese a ser una música bastante moderada e incluso «galante», bulle al tiempo con la expresión de una emoción más profunda que se asocia distintivamente con otras formas artísticas que estaban de moda en la época, como el “estilo sensitivo”

 
La música orquestal de J.C Bach representa también un punto álgido, principalmente por el estilo delicado y cálido de sus movimientos lentos, pero con un contenido más intenso que el que sus contemporáneos italianos daban a sus sinfonías, las cuales eran a menudo poco más que colecciones de clichés musicales.

 
J.C Bach creó un punto de contraste bien definido, quizá entre un motivo inicial enérgico y una continuación ligera o entre un primer tema marcial y un segundo tema lirico o femenino. Tres de sus mejores sinfonías están concebidas para una orquesta doble, con un grupo pequeño (cuerdas , flautas) contrastando con el conjunto principal( cuerdas, oboes, fagotes, trompas)

El proceso de refinamiento estilístico de este músico que pudo integrar los mejores rasgos del galante francés e italiano es una magistral síntesis de las corrientes preclásicas, que puede ser percibida en sus principales grupos de sinfonías: seis oberturas op 3; seis sinfonías op 6; tres sinfonías op 9; y las seis sinfonías op 18, estas últimas consideradas la culminación de su producción sinfónica ; además de doce sinfonías concertantes.

 
De su música sinfónica destacamos :

 
Seis oberturas; entre ellas Mozart cita el andante de la obertura la Calamita di cuore en su concierto para piano en la mayor K 414.

OUVERTURE LA CALAMITA - DAVID ZINMAN CAMBIAR

 

Seis  sinfonías op 3

Symphony in D major, Op. 3, No. 1 - II. Andante
Symphony in D major, Op. 3, No. 1 - III. Presto

 
Seis sinfonías op 6. En general obras más largas y serias que sus anteriores sinfonías. La nº 6 en sol menor, única sinfonía del compositor que está escrita en modo menor, la más seria y de gran belleza.


 
Tres Sinfonias op 9

Symphony in Eb major Op. 9 No. 2 (2/3)
Symphony in Eb Op. 9 No. 2 (3/3)

 

Seis Sinfonías op 18. Aquí la célebre y bellísima sinfonía op 18 nº 2


 
Sinfonías Concertantes. Atraído por el color orquestal, J.C Bach se vuelve hacia la sinfonía concertante género de moda en Mannheim. Las sinfonías concertantes pueden incluirse los más seductores especímenes del género.


 
Symphony Concertante for Violin & Cello in B Flat WC46 - Mov. 1/3
Symphony Concertante for Violin & Cello in B Flat WC46 - Mov. 2/3
Concertante for Violin & Cello in B Flat WC46 - Mov. 3/3

 
Conciertos:

 
Cello Concerto, magnifico, a veces en la línea del estilo de Carl Philipp

J.C. Bach Cello Concerto C Minor 2nd Mov
J.C. Bach Cello Concerto C Minor 3rd Mov.

 
JC Bach introduce el pianoforte en Londres y compuso para este instrumento varios conciertos

 
Piano Concerto Op. 13 no. 4, allegro (1 of 3)
Piano Concerto Op. 13 no. 4, andante (2 of 3)
Piano Concerto Op. 13 no. 4, andante con moto (3 of 3)

 
Este talentoso compositor no solo llevó la sinfonía preclásica a su más alto nivel sino que a través de la influencia directa que ejerció sobre el joven Mozart, estableció un precedente esencial para la creación de la sinfonía madura del clasicismo.
 
Con la influencia italiana, la inclinación por el equilibrio estructural y la facilidad para la invención melódica, dieron paso a un estilo lirico, elegante, lucido, delicado y sobrio que nunca raya en la simplicidad y banalidad de la música de muchos de sus contemporáneos, alcanzando con frecuencia una profundidad expresiva poco común en el preclasicismo.
 
BENDA (1722-1795)

Influido por CPE Bach, formado en la Italia del Norte, repartió su vida y su trabajo entre las cortes de Berlín y de Gotha. A él se debe mucha parte de la buena organización de la orquesta prusiana.

 

Georg Philipp Telemann (1681-1767)

 
Vida

 
A pesar de su gusto y dotes para la música,  se orientó a los estudios de derecho. Pero rápidamente se impuso la música y a partir de 1702 fundó en Leipzig una orquesta de estudiantes: El Collegium Musicum, y fue nombrado director de la ópera.

 
De 1705 a 1708 fue nombrado maestro de capilla del conde Von Prommitz en Sorau ( actual Polonia), lo que le permitió conocer bien la música francesa y polaca. En 1708 se instaló en Eisenach, donde conoció a Bach. Entonces ya era celebre en toda Alemania, donde se disputaban sus obras.

 
En 1721 fue nombrado director del Teatro de la opera de Hamburgo y director de la música de las cinco principales iglesias de la ciudad. Vivió en Hamburgo hasta su muerte en donde tuvo como sucesor a su ahijado Carl Philipp Emanuel Bach.

 
Fue uno de los compositores de mayor éxito de su época. Sin embargo, a su muerte su música cayó en el olvido hasta que en la década de 1930 se comenzaron a realizar grabaciones de gran parte de su producción. Actualmente su música forma parte del repertorio habitual de las salas de concierto.

Georg Philipp era tenido por músico moderno, capaz de atraer a la juventud universitaria y, en efecto, para él la fuga y el contrapunto habían dejado de ser los fundamentos de la música. Prefería la melodía, un estilo más ligero y más simple. Esa es la razón por la que sólo apreciase a Bach como director y gran virtuoso del teclado, pero no como compositor, omitiendo su nombre en el poema Sobre diversos compositores alemanes, publicado en 1730.

 
OBRA

 
Nacido antes que Bach, Telemann murió cuando Haydn llegaba a la madurez y Mozart preparaba su viaje a Italia. Esta longevidad contribuye a explicar la extraordinaria abundancia de su producción, que cubre todos los géneros practicados en aquella época : alrededor de cien oratorios, cerca de cincuenta pasiones , cantatas profanas, decenas de óperas , alrededor de ciento veinte suites para orquesta, innumerables piezas para clave , sonatas y conciertos para todos los instrumentos.

 
Música Instrumental

 
Destaca en su producción el célebre concierto en re mayor para trompeta, cuerda y continuo. El seductor concierto en la mayor para oboe de amor y cuerda y el célebre Tafelmusik ( música para banquete) , un grupo de tres producciones que comprendía cada una suite de orquesta, un cuarteto, un concierto , un trio , un solo con bajo continuo y una breve conclusión orquestal.
 


 

 Telemann - Concerto for trumpet, strings and continuo in D major, TWV 51:D7 -Allegro(2/4)
Telemann - Concerto for trumpet, strings and continuo in D major, TWV 51:D7 -Grave (3/4)
Telemann - Concerto for trumpet, strings and continuo in D major, TWV 51:D7 -allegro (4/4)

 
Destaca la belleza melódica de estos conciertos para oboe

 
Concerto for Oboe d' Amore in A major
Concerto for Oboe in E minor, (TWV 51:e1
Oboe Concerto in D - minor
Oboe Concerto In C minor, TWV 51:c1

 
El concierto en mi bemol mayor para dos trompetas, tercera pieza de la tercera producción, tiene cuatro movimientos y se impone como una de las partituras más modernas de Telemann, una de aquellas en que utiliza más ese estilo homófono que le aproxima ya a las investigaciones de los futuros hijos de Bach o de la escuela de Mannheim.

 
Telemann: Concerto for 2 Horns in E flat major, (Tafelmusik III:3),

 
De las numerosas oberturas (o suites para orquesta) de Telemann que son herencia de la estética francesa, algunas han adquirido celebridad gracias s sus títulos pintorescos.
La más célebre de sus suites, la suite en la menor para flauta y cuerda, integra en el género suite elementos sacados de la música italiana.

 
Suite in A minor (1/3)
Suite in A minor (2/3)
Suite in A minor (3/3)

 
La Obertura francesa o Sinfonía de J. B. Lully, con movimientos alternantes, lento-rápido-lento, apareció en Alemania en los años 1670-1680, pero llega al apogeo en los tiempos de Telemann, por ello escribió más de 200, pero cuando le pareció oportuno utilizó la Obertura italiana o Concierto, rápido-lento-rápido, y en estas obras Telemann va a incluir un violín principal concertante, y así aparece en algunas de sus óperas; el estilo de estos concerti es muy parecido al de los Concerti Grossi de G. F. Haendel.
Otras de las formas instrumentales, que practicó con perfección, son las Sonatas-trío y los Cuartetos, que fueron muy estimados en Alemania.

Gran defensor del estilo musical francés, Georg Philipp Telemann satisface en 1737 un deseo largamente acariciado: pasar una temporada en París para aprender y mostrar su música. Los ocho meses que allí permaneció fueron de éxito total, obteniendo unánime aceptación e incluso privilegios reales. De esa época datan los Cuartetos parisinos. Fuente: http://esdocs.org/docs/index-7257.html

 
Escritos entre los años 1737 y 1738. Son un ejemplo de virtuosismo sin igual en su época. Telemann va a unir a la modernidad, el rigor y la sutileza de la música de cámara. Conjuga las formas italianas, pero con una exquisita deferencia hacia el público parisiense, ya que las denominaciones de los movimientos y otras indicaciones están en francés. Su música es elegante, noble, rica en temas, con una técnica depurada que se adelanta a lo que se está componiendo en Europa, en la primera mitad del siglo XVIII.

 
Quatuor Parisien N°12 (Chaconne)
Paris Quartet No.4 in G minor
Paris Quartet e-moll Distrait e Modere

 
Para los contemporáneos de Telemann, el 'Quadro' (cuarteto) era un género musical exigente y considerado como la piedra de toque de todo auténtico contrapuntista. De hecho, no se trata del cuarteto de cuerda clásico, sino de «tres instrumentos de distinta sonoridad que conciertan juntos sobre un bajo continuo instrumental y donde todos tienen la misma importancia». Telemann compuso esta colección para flauta travesera, violín, viola de gamba y bajo continuo (clave o violonchelo).

 
Oratorios y Cantatas

 
En el Oratorio “El día del juicio”, Telemann, va a realizar unas visiones musicales que le van a permitir ofrecer unas bellísimas melodías, un descriptivismo dramático con los coros cómo protagonistas, aunque el contrapunto no es riguroso. Esta obra es ejemplo de adaptación proverbial a las novedades musicales de la época 

La melodía, la armonía y las dinámicas son empleadas con su habitual magisterio, en esta obra se encuentran novedades importantes dentro de la orquestación, de la que Telemann era un maestro; pero ahora Georg Philipp Telemann explota de forma exhaustiva la capacidad y las posibilidades de cada instrumento. «Dar a cada instrumento lo que pueda tolerar, para que el intérprete se deleite, y para que sienta placer quien lo escuche» (Georg Philipp Telemann).

 

De su oratorio El Juicio Final oímos este fragmento.

 
DER TAG DES GERICHTS - Première Contemplation - Nikolaus HARNONCOURT

 
Estilo.  Fuente: http://esdocs.org/docs/index-7257.html

 
“Bach = Si menor, Telemann = do mayor”, declaraba en el siglo XIX el musicólogo Espita, cuando Telemann había caído en el olvido que se podía creer definitivo. El carácter extrovertido de su música facilitaba este rasgo de ingenio, pero la inclinación de Telemann a la melodía afable y los contornos netos refleja también un aspecto de vanguardia anunciador del futuro clasicismo.

 
Como Bach, Telemann supo sacar provecho de todo, pero con menos espíritu de síntesis, a la manera de un camaleón que cambia de color cada vez que lo necesita. Telemann es autor de una centena de conciertos, obras que le hacen aparecer como el más versátil y prolífico de todos los compositores alemanes que se hayan consagrado a este género.

 
Su estilo renovador tendió un puente de enlace entre el contrapunto barroco y el sistema armónico del Clasicismo.

 
Combinó el contrapunto barroco convencional con la alegría italiana de sus melodías y la orquestación francesa. Escribió con facilidad y fluidez en los principales estilos de la época. Así se expresaba en 1728 Johann Christoph Gottsched, un musicólogo de la época, acerca de su estilo:

 
“Particularmente he oído alabanzas sobre el significativo Sr. Telemann en el sentido de que sabe cómo respetar el gusto de todos los melómanos. A veces sigue a los extranjeros, a veces a los franceses, generalmente incluye una mezcla de estilos en sus piezas musicales. Evita todos los excesos técnicos que podrían agradar sólo a los maestros, y prefiere la amable alternancia de tonos a la búsqueda de efectos artificiosos. ¿Y qué es más razonable que esto?”

Telemann contribuyó enormemente tanto a lo que se conoce como estilo alemán, el lenguaje contrapuntístico mezcla de los estilos francés e italiano (y polaco, en su caso), como al estilo galante, más ligero en su conjunto a pesar de su resistencia a la simplificación armónica que llegaba con el estilo italiano de mediados de siglo.

El compositor afirmó haber "vestido" el estilo polaco con un "atuendo italiano". También son muy frecuentes en sus obras los elementos franceses, tanto en la orquestación como en los patrones formales, así como en el uso frecuente de elementos programáticos.

 
A Telemann se le puede definir como el compositor que mejor comprendió como adaptar su estilo a la evolución de las distintas corrientes musicales del final del Barroco. Su escritura musical tiene una firmeza sobresaliente, y siempre estuvo investigando y contribuyendo al desarrollo de las novedades musicales de su época. Estudió minuciosamente a las dos escuelas punteras del momento, como eran: la de Mannheim con su fundador y artífice, Johann Stamitz y la de Viena;

 
Después de su muerte, su fama declinó con sorprendente rapidez; fue considerado un polígrafo de formidable técnica, pero carente -tanto en estilo antiguo polífono, como en el moderno ¨galante¨  de verdadera grandeza y profundidad. Sin embargo, en el segundo tercio del siglo XX, comenzó un movimiento de renacimiento en pro de su obra, pero mucho menos fuerte que el que se realizó a favor de Haendel.